Hace unos meses os hablábamos de la celebración del 50 aniversario de la legendaria compañía de discos Motown, y hoy os acercamos un poco una formación que es parte fundamental de esa historia de la música, The Temptations. Como otras muchas formaciones, sus origenes son el resultado de la fusión de varios grupos, que buscaban la fortuna que les hiciera triunfar en el mundo de la música. Sus primeros componentes fueron cinco muchachos que se juntaron en Detroit, Eddie Kendricks, Eldridge Bryant, Melvin Franklyn, Otis Williams y Paul Williams, para formar el más importante grupo vocal de la época dorada de la Motown, los 60's. Berry Gordy Jr. viendo el potencial y con su buen ojo, los fichó y les bautizó como The Temptations en 1961. Los primeros puestos en las listas de éxito pronto hicieron su aparición con la participación en la composición/producción de Smokey Robinson, pero esta formación sólo es un punto de empiece que nos llevará hasta hoy en dia. Durante este largo periodo han sido muchos los componentes que han desaparecido por la vorágine de drogas, alcohol o el ego, e igualmente muchos los que han entrado para dar una nueva dimensión a la banda. De esa forma David Ruffin -con su maravillosa voz tenor- en 1964 sustituyendo a Bryant o Dennis Edwards en sustitución de Ruffin, fueron otros extraordinarios vocalistas que junto a Eddie Kendricks han ayudado a la longevidad del éxito del grupo. Cambios en la producción de la mano de Norman Whitfield en 1966 no fueron impedimento para que los éxitos continuaran, la faceta adaptativa a los nuevos tiempos que surgieron a finales de los 60's y comienzos de los 70's hacia terrenos más comprometidos socialmente y un sonido más funk tampoco lo fueron, ni el suicidio de Paul Williams en 1973, ni el abandono de Ruffin y Kendricks buscando éxito en solitario.

Pero llegó ei sonido disco y su firma por Atlantic, dando lugar al bache más profundo del grupo, habían perdido el norte y la ilusión hasta que el regreso de nuevo a la Motown, la intervención de la estrella funky Rick James, junto al retorno de Ruffin y Kendricks en 1982 para el disco Reunion y un tour, hicieron regresara el espíritu perdido, aunque por poco tiempo ya que sus relaciones personales seguían siendo tirantes y a finales de los 80's, sólo Otis Williams seguía formando parte de la formación original. Pero la inducción del grupo al prestigioso honor de formar parte del Rock and Roll Hall of Fame en 1989, juntó de nuevo al trio de líderes vocales Ruffin/Kendrick/Edwards, aunque la muerte por sobredodis de cocaína en 1991 de Ruffin, la de Kendricks en 1992 por cancer y Franklin de derrame cerebral en 1995, parecía cerrar las puertas a una nueva etapa de brillantez, pero la entrada en este nuevo siglo, con una formación totalmente distinta a la original a excepción de Otis Williams, no ha impedido que sigan haciendo historia con discos como Legacy en el 2004, Reflections -versiones Motown en el 2006- o en el 2007 con un álbum de versiones titulado Back to Front -de claro tributo al sello competidor de la Motown en aquellos tiempos Stax Records- donde dejan huella de su clase y su buen saber hacer en la música R&B.

Para la historia han quedado esas fantásticas y dinámicas coreografías estilo Motown, sus grandiosas canciones que fuese quien fuese el líder vocal que estuviera al frente, impactaban con la versatilidad de sus interpretaciones; My girl, Papa Was A Rolling Stone, Just My Imagination... y asi un buen número de grandes hits a lo largo de cuatro décadas donde con su música, se han alzado con la corona de emperadores de un Rhythm & Blues, con un estilo y sonido propio, pura esencia de la música soul de ayer y hoy.

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Reconozco que siempre me ha gustado la fusión inteligente y de calidad de distintos estilos musicales. Quizá como reflejo de mi filosofía vital que huye de dogmatismos o posturas extremas siempre he estado convencido de que los diferentes puntos puntos de vista, ideas y modos de los distintos estilos musicales pueden llegar a ser compatibles entre si de forma coherente, combinándolos y mezclándolos... aunque ciertamente no siempre el resultado sea el esperado. Una buena muestra del eclecticismo musical es el artista que hoy os presentamos: The Soul Of John Black.

John no ha surgido de la nada y de manera inopinada, su carrera artística cuenta con un impresionante currículum: ha compuesto canciones y colaborado en la percusión para el ilustre trompetista Mile Davis, durante ocho años fue guitarrista y teclado del grupo pionero del rock-funk-ska Fishbone; además de ser músico de estudio para artistas tan distintos como Eminem, el Dr. Dre, Rosey, Joi, Nikka Costa, Bruce Hornsby o Everlast.

El pasado 17 de febrero el sello discográfico Eclecto Groove Records (no podía tener otro nombre) puso a la venta Black John su tercer trabajo bajo la producción del propio artista. John "JB" Bigham siempre ha tenido una visión muy particular de lo que debe de ser su música y, en un ejercicio de honestidad poco habitual, no teme asumir riesgos y aventurarse en una propuesta única, personal e intransferible.

Inspirado por los pioneros del blues y del soul se erige en un verdadero testimonio de belleza artística asociada a la libertad con que se expresa musicalmente y que se fundamenta en tres elementos tan básicos -y al mismo tiempo tan poderosos- como son una guitarra, una voz y unas emociones que compartir. El resultado es un sonido auténtico, expontáneo, soulful, de una crudeza cautivadora... es el soul según lo entiende John Black.

Las letras plantean una atractiva interpretación de la vida en las calles: violencia, lujuria o melancolía son temas recurrentes que parecen sacados del guión de una película de clase B, pero su hábil ejecución y la atmósfera creada son de primera división. The Soul of John Black constituye todo un himno de celebración al fabuloso patrimonio de la música negra. Combina con maestría el soul, gospel, funk y hip-hop en su viaje de regreso a las raíces musicales: el blues. Así pues, mezcla de ritmos urbanos contemporáneos al compás de una guitarra acústica minetras rinde homenaje a figuras legendarias como John Lee Hooker o Muddy Waters... absolutamente sorprendente. Respaldado por notables músicos ha cruzado con valentía antiguas fronteras para explorar nuevos territorios y en ese proceso de innovación nos ha llevado ante una intersección, un cruce de caminos que permite albergar esperanzas de que el blues vaya a sobrevivir y prosperar entre las nuevas generaciones.

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Reconozco que en general los discos de versiones de temás clásicos nunca han sido de mi agrado. En pocas ocasiones siquiera igualan al tema original, salvo en honrosas excepciones apenas si aportan algo nuevo de interés y suelen ser un recurso fácil para quienes carecen de la creatividad propia necesaria para afrontar un nuevo proyecto musical. Si a ello le sumamos el hartazgo ante el abuso que se ha hecho últimamente de esta fórmula quizá podáis entender que una mueca de excepticismo se dibujara en mi rostro al conocer que el sello Shanachie editaba Let's Do It Again, el segundo trabajo de Leela James. ¿Otro disco más de versiones que discurre por esos senderos de atonía creativa?

La primera y grata sorpresa supuso conocer que entre la acertada lista de 11 clásicos seleccionados por la propia artista aparecían algunos títulos que no pueden ser considerados como tales. Concretamente me estoy refiriendo a temas como: "I Try" de Angela Bofill, "I'd Rather Be With You" de Bootsy Collins o "You Know How To Love Me?" de Phyllis Hyman. Además, compruebo con satisfacción que es Leela -con la asistencia de Ralph Kearns- quien asume las labores de producción del disco. Todo ello me asegura que al menos el trabajo tiene su interés puesto que en principio refleja el modo que tiene la artista californiana de interpretar estos grandes temas... para mi toda una garantía de compromiso con el sonido soul, el saber hacer y el buen gusto.

No es un disco redondo, pero si es un trabajo bien hecho con momentos de gran calidad. Como suele suceder en estos casos con más acierto en algunas versiones que en otras. En mi opinión, su versión de "Clean Up Woman" no puede hacerte olvidar el original de Betty Wright o "Baby I'm Scared of You" carece de esa diversión que procuraban Womack & Womack; imposible compararla con el padrino del soul James Brown en "It's A Man's Man's Man's World" -el primer single- o su versión de "Let's Do It Again" no alcanza las cotas de sensualidad del original de Mavis Staples. Por el contrario, uno de los momentos más sorprendentes del disco quizá sea la versión espiritual -casi gospel- del conocido éxito "I Want to Know What Love Is" de los Foreigner o una reposada versión del famoso "Missing You" de Rolling Stones.

En todo caso, me gustaría destacar los magníficos arreglos instrumentales que en ocasiones tienen el valor añadido de encubrir los momentos menos brillantes del disco. Ha sido todo un gran acierto apostar por ese fantástico sonido orgánico en directo, al más puro estilo soul band, en la más genuina tradición de Atlantic y Stax Records. Uno tiene la impresión de asistir a la magia y la honestidad de una actuación en vivo de la propia Leela con su banda de músicos. No vamos ahora a descubrir su estupenda voz -a la vieja usanza del soul- que ya mostró en su primer trabajo, aunque mantiene momentos de brillantez, emoción e intensidad funky no llega al rango de grandes como Chaka Khan o Jennifer Holiday.

En definitiva, siempre resulta muy arriesgado hacer frente a versiones de temas de la vieja escuela soul, sólo invita a recibir constantes comparaciones con los originales que sólo se pueden resistir con un amplio rango de voz. Por el contrario, sus personales interpretaciones de temas menos conocidos de artistas como Phyllis Hyman y Angela Bofill o su nueva visión del tema de Foreigner constituyen las verdaderas joyas de "Let's Do It Again". Para los amantes del rnb más adulto resulta desalentador que hayan transcurrido cuatro años desde su disco de debut para disfrutar de nuevo del talento de esta vocalista, también es fustrante que no sea capaz de ofrecernos canciones originales después de tan larga espera. En cualquier caso siempre la seguiré esperando porque sin duda nos encontramos ante una de la pocas esperanzas del soul sureño que aspira a contener las hordas de voces femeninas sin interés que dominan el panorama actual del rnb.

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Anita Baker ha sido y es una de las voces femeninas más bellas del Soul de los últimos 25 años. Con su clase y su refinada forma de hacer la balada soul se convirtió en la verdadera reina del Quiet Storm de los '80. Os recuerdo que el quiet storm es un subgénero musical que mezcla rnb, soul y jazz y que se distingue por su dinámica suave y dulce, sus ritmos lentos y relajados, además de por expresar sentimientos románticos. Dotada de un agudo alto y flexible, y unas raíces no únicamente R&B (también jazz y gospel) creó una música adulta y sofisticada, quizá en algunos momentos empalagosa. Su suavidad la hizo una de las cantantes románticas mas importantes de su época.

Aunque con su disco de debut The Songtress (1983) obtuvo cierta repercusión con la canción Angel que se situó # 5 en las listas de rnb, lo cierto es que cuando fichó por Elektra no era sino una secretaria. Rapture era su oportunidad y no dudó en aprovecharla. De la mano del productor Michael J. Powell debutó en este sello discográfico de una manera espectacular: obtuvo el mayor número de ventas de su carrera (6 millones de discos), dos premios grammy, figuran en él hits inolvidables (Sweet Love, No One in This World, Caught In The Rapture) y es considerado por la prestigiosa revista Rolling Stone como unos de los 100 mejores trabajos de la década de los ochenta (#36).

En aquellos tiempos algunas divas del soul se caracterizaban por cierta extravagancia vocal: me vienen a la memoria los gemidos de Patti Labelle o el melodrama yuppie de Withney Houston. Ni rastro de todo aquello en los 40 minutos que dura el disco, Anita Baker sólo canta, sin mayores artificios... con su pasión siempre bajo control -como lo hacía su ídolo Nancy Wilson-, escucharla es una pura delicia para nuestros oídos. Ciertamente debo reconocer (casi prevenir para quien no la conozca) que su voz y forma de cantar no resulta fácil, es compleja de abordar en un primer embate: con un tono que podemos situar en algún lugar entre Sarah Vaughan y Joan Armatrading, escucharla requiere toda nuestra atención, paciencia, no es una cantante que guste de fáciles atajos.

Anita Baker no se limitó a cantar, sino que también compuso algunos temas del disco (Sweet Love, Watch Your Step) y realizó labores de producción y arreglos. Mezcla de elementos jazz, pop, soul clásico y gospel junto con una voz vitalista y expontánea alejada de los estándares de su época, ésa es la fórmula de este trabajo que me deslumbró en su día por una canción titulada "Same Ole Love" que os confieso habré oido cientos de veces, pero que no deja de estremecerme literalmente mi cuerpo y mi alma como si fuera la primera vez.

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Tracey Harris es una de esas artistas que, casi sin querer, se apoderan de uno poco a poco atrapándote por sus sedosas y aterciopeladas armonías musicales llenas de elegante y dulce soulful. Nacida y criada en Portlan, empezó a deslumbrar en el coro de su escuela como solista por sus buenas cualidades vocales y por ese "algo" que te señala y te hace destacar del resto de los mortales.

Inspirada por la espiritualidad de Mahalia Jackson y Shirley Caesar, fue en 1986 cuando tuvo su primera oportunidad de mostrar de forma abierta sus cualidades vocales, gracias a su participación vocal en los coros del artista nominado a los Grammys Najee. Paciente, fue dirigiendo y encauzando sus energías hacia un destino musical espiritual. Asi en 1997 bajo el sello Pamplin Music publicó su álbum debut titulado "Keep On Believin", de estilo gospel contemporáneo, continuando en 1998 con una participación en un recopilatorio de 10 canciones espirituales junto a artistas de la Motown de la talla de Smokey Robinson, The Temptations o Boyz II Men, lo que le valió una nominación a los Grammys.

Un largo paréntesis donde una vez más, Tracey Harris se mantuvo paciente, aletargada, esperando nuevas fuerzas e inspiración que la hicieran resurgir y retomar su pasión por la música. Su participación como vocalista, en la primavera del 2007, con el original grupo Pink Martini, la "pequeña orquesta de Portlan", la devolvió a los escenarios con fuerzas renovadas y con la ilusión necesaria para que se planteara el poder regresar y continuar su faceta de artista solista.

De esta forma a finales del año pasado y bajo el sello Woodsway Records, nos presentó su segundo disco titulado "Love 365". Once canciones sin estridencias ni sobresaltos, donde cada canción desembarca sin oleaje con una sensación de calma controlada. Temas de amor y relaciones personales positivos, escritos por ella misma junto a su marido. Una producción sencilla que compacta con la dulce y perfección de sus cualidades vocales. Un sonido soulful  con suaves toques jazz que hace que te olvides de la prisas y los problemas, una instrumentación delicada -en foma de terciopelo sonoro- que te incita a dejarte llevar por un vertiginoso y a la vez sereno salto al vacio donde todo parece ralentizarse. Es imposible poder resaltar una canción por encima de otra, desde la delicada "What I Offer You" -voz y piano- hasta la envolvente "Precious Friend", todas tienen su encanto y atractivo, todas consiguen ocupar un placentero hueco en nuestro interior.

No, no se trata de un disco que conseguirá escalar las listas de éxito, ni conseguirá grandes ventas,  pero si te gusta la música hecha con buen gusto, bella, emotiva y elegante, este disco es el complemento perfecto y contiene las dosis necesarias que nivelaran tu ansiedad, aportando sosiego y placidez. Sin ninguna duda hará que te sientas bien y te olvides durante su escucha del estres y las prisas cotidianas.

Web del artista

Ciertamente pueda pareceros exótico y quizás insólito que os traigamos a Musicasoul a un artista de origen surcoreano, pero en realidad no debería ser así, no sólo porque sea una propuesta meritoria con unos niveles dignos de calidad sino que además debemos entender que forma parte de un movimiento cultural que arrasa en el continente asiático, ante el cual no podemos permanecer impasibles en plena era de la globalización.

En efecto, la llamada Korean Wave no es sino un fenómeno que nació a finales de la década de los noventa de manera espontánea, siendo una respuesta efusiva del público de los países receptores a los contenidos culturales y los bienes de origen coreano. Comenzaron con programas de tv (dramas), han seguido con la industria del cine y, cómo no, han continuado con la música, con una enorme aceptación en otros países asiáticos como China, Vietnam, Tailandia, Malasia, Taiwán, Singapur o Japón donde muchos cantantes y actores se han convertido en auténticos ídolos.

La calidad, la identificación étnica y de valores culturales, familiares (que son comunes a toda la zona asiática) y el hecho de que evitan el contenido polémico de temas como el sexo y la violencia sin duda han contribuido a este enorme éxito. Por ello se acuñaron los términos Hallyu=Korean Wave, k-pop o k-film para referirse al aumento de popularidad que gozaban los surcoreanos y sus productos. En definitiva, se llega a identificar a Corea -no lo olvidemos, una avanzada economía y una potencia cultural- como representante de la modernidad en esa zona del mundo.

Aunque han sido artistas con propuestas básicamente pop, nuestra música no ha permanecido ajena a esta ola cultural (por sus proporciones podríamos hablar de Tsunami), por ello cuando nuestro amigo Tom nos habló de este artista nos pareció oportuno traeros a un representante cualificado de esta ola cultural: 정엽 (Jeong Yeop) ?? (no estoy aún seguro de su nombre escrito en nuestro alfabeto). Siguiendo los pasos de Na Ul, un compañero miembro del disuelto grupo Browneyed Soul y una de las mejores voces coreanas, Jeong llega con su álbum debut Thinkin Back On Me editado a primeros de diciembre y con un marcado carácter rnb-pop. Para ello, el vocalista no ha escatimado esfuerzos escribiendo las letras, componiendo y produciendo las trece canciones incluidas en el disco (excepto cuatro, todas en inglés). Se ha apoyado en este viaje musical en músicos de corte jazz: el pianista Eco Bridge, Hyo Seok Jang, así como otros conocidos músicos en su país como Sam Lee y Park Joo Won.

El resultado es sorprendente y cuasi-convincente al mismo tiempo. Realmente hay que reconocer que son un magistral producto del marketing: caras bonitas, look occidental a la última, voces agradables, letras inofensivas y una notable producción. Si le sumamos su innata capacidad para emular o imitar y que cuentan con la baza de esa sensibilidad, armonía, equilibrio y buen gusto tan propias de la cultura asiática podemos entender que este producto made in korea pueda venderse bien. Está claro que resulta muy fácil dejarse llevar por ese sonido pop, incluso nos encontramos con algunos momentos destacables, pero... son sólo momentos, resulta extraño escuchar algunas canciones en su idioma nativo, Jeong abusa vocalmente del falsete -algo que nunca ha sido de mi agrado- y el conjunto del disco me ha resultado monótono, le falta más garra y fuerza... pero, juzguen ustedes mismos.

El lanzamiento en el comienzo de este año 2009 de un disco de estilo R&B y por un artista español, puede ser el presagio de un cambio de rumbo en este galeón musical hispano bastante decrépito y falto de creatividad. Su nombre es Retrodisea y al timón nos encontramos a Javier Orihuela, más conocido por Oke.
Este malagueño, trata de ofrecernos un trabajo de calidad fusionando estilos musicales acaparados por el momento por paises anglosajones, y es que hoy en dia en nuestro pais todavía es, como comentaba Oke en una entrevista para la revista Hip Hop Nation, una odisea tratar de labrarse un camino musical sin el apoyo de una gran compañía que quiera ir más allá de la inmediatez de unos resultados puramente económicos.

Aun asi Oke cuenta con el apoyo del sello independiente Macromusicshow (MMS), formado por un equipo joven, dinámico y entusiasta, a cuya cabeza se encuentra el productor sueco afincado en Alicante Erik Nilsson. A sus espaldas podemos encontrar trabajos para Ketama, Diana Navarro, Beatriz Luengo o Tony Santos entre otros. Este sello tiene como objetivo encontrar talentos con ilusión y estilo propio haya donde se encuentren, y hacer de puente con el consumidor final, por lo que la unión del binomio Oke-Macromusicshow era un desenlace inevitable frente a la trayectoria de este joven músico.

Los inicios musicales de Oke fueron en el trio 360º y su participación en el concurso Fortuna Sound, hicieron que el presidente de la editorial Clipper's Joe Perez y el productor Carlos Jean, entre 500 grupos, se fijaran en ellos como ganadores del mismo en el año 2006. Esto les hizo conseguir un contrato con la multinacional Warner. Pero como otros muchos artistas, las imposiciones de un mercado y las ataduras no son una buena combinación para la creatividad, y será en el 2007 en el casino Torrequebrada de Benalmadena donde nos muestre su faceta de vocalista con corazón y feeling, versionando temas clásicos de jazz, bossa o funk, algo nada complicado para él que había bebido de los manantiales limpios de la música de Stevie Wonder, Aretha Franklin, D'angelo, Incognito o The Brand New Heavies.

Su carta de presentación con MMS sucedió a mediados de ese 2007, con un proyecto surgido con la carta de presentación de estilo Motown llamado "Cuentos de finales tristes" y que ha dado pie para que, tras un duro año de trabajo salga a la luz Retrodisea. "Como el aire" es su primer single, y al igual que el resto del trabajo, hace muy pocos dias se ha puesto a la venta a traves de internet, donde ha conseguido situarse, en sólo 2 dias, en el puesto nº 6 de los discos más vendidos en descargas digitales a traves de Itunes y muy pronto, de manera física en las tiendas de disco. Son 11 temas, la mayoría en castellano, donde conjuga el soul y r&b en su vertiente clásica, con el funk y jazz, siempre con un toque de comercialidad pop, que lo hacen asequible a cualquier oído ávido de canciones no vacías que transmitan buenas vibraciones, dejando constancia de una calidad poco usual en la música soul en España.

Si la palabra oke tiene significado variopinto segun la cultura o el lugar donde nos encontremos ("enviado de Dios", "muchacho" u "orisha de la loma"), deseemos que con este artista, el de "tónico revitalizante musical" sea un nuevo significado que haga despertar la música en este pais y convierta esta odisea musical en un cuento de final feliz. Aunque como siempre el público, equivocado o no, será el que con su decisión, izará o arriará las velas facilitando que este proyecto llegue a buen puerto.

Más información en http://www.myspace.com/okemusic

La aparición de un nuevo lanzamiento del veterano músico Phil Perry, siempre es digno de tener en cuenta. Su buen gusto musical y su sensual forma de cantar es su seña de identidad que hará las delicias de todo aquel que quiera pasar un buen rato escuchando sobre todo bellas canciones de amor.
Sus comienzos en la música fueron a principios de los 70's con el grupo The Montclairs, con un sonido cabalgando entre un sonido smooth soul y Philadelphia, donde no consiguió ningun éxito, pero si marcó lo que iba a ser su evolución en el mundo de la música. El grupo desapareció pocos años despues, en los 80`s tuvo una corta experiencia en forma de dúo junto a otro miembro del grupo, Kevin Sanlin, acabando finalmente con su álbum debut en solitario en el año 1991.

Incursiones en el mundo del smooth jazz, un mayor control en la producción y elaboración de las canciones fue marcando y definiendo su estilo, acabando finalmente bajo el sello Sanachie Records, compañía especializada en smooth jazz que estaba recogiendo bajo sus filas a populares vocalistas de RnB para que realizaran álbumnes con canciones clásicas de los años setenta. De ahí surgieron The Classic Love Songs en el 2006 y A Mighty Love en el 2007, sus anteriores referencias musicales de este gran vocalista.

Ahora en el 2008, tambien bajo el sello Sanachie, toma el control tambien en las composiciones, para ofrecernos un trabajo íntimo y romántico, se trata de Ready For Love, donde las baladas son el principal sustento y la producción del tambien veterano Chris "Big Dog" Davis, junto al sonido del saxo en algunas canciones de Kim Waters, son el toque perfecto para una velada a la luz de las velas.
El álbum comienza con Desire, canción retro-soul de ritmo y melodía pegadiza, podemos encontrar tambien la jazzy Shine on Me, donde me viene a la memoria la imagen del gran Al Jarreau. La delicada y dulce The Shelter Of Your Heart, capaz de abrir la coraza del corazón más inexpugnable. En Why Why Why, la colaboración de la vocalista Selena, hermana del productor Chris Davis y el saxo de Kim Waters consiguen una bella canción de fuerte influencia jazz. El álbum se completa con dos versiones, las únicas del disco, donde deja constancia de la clase de este hombre versionando clásicos del soul. Finaliza como no, con otra bella balada, The Strings of Love, donde deja claro las cualidades de Phil Perry para saber apropiarse de nuestra vena sensible.

Todo momento es bueno para dejarse seducir por una de las voces más impresionantes y románticas, y si además viene acompañado por buenas melodías, pueden ser el complemento ideal para estar "ready for love".

Web del artista: www.philperry.net