A la música nunca se le ha podido encorsetar ni coartar su libertad. Es libre por naturaleza y sólo las limitaciones creativas y de imaginación del ser humano, pone las barreras virtuales que nos impidirán disfrutarla de todo su explendor. Su esparcimiento y espansión no tiene límite, al igual que su mestizaje, por lo que cada vez es menos extraño encontrarnos con artistas europeos haciendo música negra, al igual que artistas que beben sin distinción influencias del jazz y del soul. De esta manera nos encontramos con Tuomo, el artista que os vamos a comentar, proveniente de una pais nórdico y desconocido en lo musical como es Finlandia.

Su educación musical desde muy temprana edad ha forjado a este hombre convirtiéndolo en toda una rareza musical en este continente europeo. Sus clases de piano cuando tenía 7 años, su posterior ingreso en la Escuela Secundaria Superior de Música, el Conservatorio de Helsinki de pop y jazz, llegando a formar parte de la administración pública como ingeniero de sonido en el Teatro de la Academia de Finlandia. Su currículum se completa con contribuciones de producción, composición, teclista e incluso vocalista para bandas de R&B y jazz de su pais, consiguiendo numerosos premios internacionales dentro del ámbito jazz.

El lanzamiento en el año 2007 de su álbum debut My Thing, mostraba al mundo a un artista que evocaba sonidos y ritmos de Prince, Stevie Wonder o Curtis Mayfield. Ese sonido que en más de una ocasión os hemos acercado llamado blue eyed soul y que no es otro que la versión del sonido más negro hecho por blancos que aman y viven esa música que surge de lo más profundo de nuestro interior.

Tras esa sorpresa inicial de su primer disco, ahora nos presenta su segundo disco que lleva por título Reaches Out For You, inspirado en conversaciones con la gente y continuando con ese sonido sencillo y facilmente asimilable por una audiencia blanca. Canciones con un sonido que se acercan a registros de Prince en temas como "Cry To The Moon" o "Head Above The Water", otros más cercanos a sonidos e interpretaciones vocales de Jamiroquai en "Sweet With Me" u "Ordinary", más rock en "The Grant", otros sonidos e intrumentación demasiado dulcificados en "Fear of Love" e incluso influencia de los Beatles en "If it Doesn't Hurt You" o "Good Night". Todo esto llega -en mi opinión- a provocar una ligera sensación de insatisfacción y regusto a empalago musical. Una sucesión de temas que se dejan escuchar, pero que la mayoría de ellos no consiguen que salte la chispa y prendan en mi interior, al igual que tampoco calmar mis ansias y esperanzas surgidas de su anterior trabajo.

Aun así, sería injusto menospreciar a un artista que se atreve a mostrarse y ofrecernos sin pudor la música que lleva en su interior. Un obrero de la música, que creo necesita un poco más para dejar de ser esa promesa que sea capaz de acercar el soul europeo a la lejana estela del soul más auténtico.  

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La colaboración entre estos dos grandes de la música muestra ya un largo recorrido. Todo se inició hace 30 años con la canción "Street Life" grabada por Randy Crawford junto a The Crusaders (Joe Sample era por entonces el pianista del grupo). El tema se convirtió en un grandioso hit del año 1979 y en todo un clásico en la actualidad. Aunque repitieron colaboración un año después con Now We May Begin, éste no gozó del mismo favor del público.

Desde ese momento sus carreras artísticas se desarrollaron de manera separada: Randy se ha mostrado todos estos años como una fabulosa vocalista de RnB aunque con suerte desigual y todo hay que decirlo con un perfil bajo en los últimos años. Por el contrario Joe ha cultivado su pasión por el jazz hasta llegar a convertirse en un pianista y compositor legendario. Sus caminos separados confluyen al fin el año 2006 cuando graban Feeling Good, todo un homenaje a las vocalistas negras que rompieron el molde de la música pop (como Nina Simone o Dakota Staton) y comprueban que los rescoldos de su pasada afinidad musical aún son capaces de generar chispas de suficiente calidad artística.

De la mano de Wrasse Records, No Regrets continúa básicamente con el enfoque adoptado en su trabajo de colaboración anterior. Sería por lo tanto inexacto afirmar que nos encontramos ante un trabajo de jazz del gusto de los más puristas de este género. La co-producción entre Tommy Lipuma y el propio Joe apuesta por una fórmula que transita entre el jazz, el soul y el blues (en otras palabras jazz-soul). Así es, acompañados por el bajista Christian McBride y el batería Steve Gadd,  la voz de Randy -una de mis favoritas- se erige en la auténtica protagonista. Se ha suavizado y profundizado con el paso de los años, abandonando el ejercicio de exhibiciones vocales pero manteniendo ese fraseo trémulo tan distintivo y a la vez atractivo de esta vocalista de Georgia. No es una vocalista de jazz al uso, pero es tanto su innato talento vocal que se desenvuelve de manera notable en este género.

Como he señalado anteriormente, No Regrets nos propone un recorrido por un material seleccionado cuidadosamente y que recoge versiones de 12 temas de un amplio rango de estilos: soulful jazz, rnb, blues o incluso pop. En mi opinión los temas destacados del disco son "Every Day I Have the Blues" (Memphis Slim), "This Bitter Earth" (Clyde Otis), "Respect Yourself" (Staple Singers) y "Just One Smile" (Randy Newman). Hay también espacio para auténticas sopresas como la versión de "Angel" (Sarah McLachlan) y, en particular, esa visión soul-jazz del clásico "Non, Je Ne Regrette Rien" de Edith Piaf, con desiguales resultados. Tampoco creo el mundo necesitaba esta nueva versión del clásico "Angel Of The Morning" (Chip Taylor).

En definitiva, No Regrets es un trabajo amable que nos sumerge en un ambiente cálido, íntimo y familiar (con unos arreglos musicales de Joe quizá demasiado tímidos, apáticos y limitados) en el que Randy es capaz de transformar material antiguo en algo completamente nuevo gracias a esa extraña habilidad que sólo ella posee y en el que nos interpreta temas en clave jazz-vocal pero siempre aportando nuestras necesarias dosis de soul. Esperemos que continúen colaborando en el futuro, quizá no logren la brillantez del jazz-funk en "Street Life" pero todavía son capaces de desenvolverse con gran calidad en temas groove más suaves.

Cuando la esencia del soul golpea suavemente los tímpanos, es imposible bloquear su entrada y no permitir que esa brisa sonora atraviese nuestras barreras y nos embriague con su aroma noble y natural. Ese es el caso de Candi Staton, una mujer que esta renaciendo y emergiendo en los últimos años, ocupando un puesto destacado en la música soul de calidad.

Acercándose ya a la barrera de los 70 años, ¡parece mentira que esta mujer siga manteniendo en su interior esa esencia de la cuál comentabamos al principio!. Atrás quedaron sus comienzos en la música como única forma de salir de la pobreza. En unos primeros momentos siendo adolescente, en ambientes tradicionales de estilo más gospel en The Jewell Gospel Trio, actuando en circuitos junto a The Soul Stirrers, C.L. Franklin y Mahalia Jackson, de los cuales se vió fuertemente influenciada al igual que de otra gran diva del momento, Aretha Franklin. Más tarde, ya a finales de los 60 y en solitario, redefinió su estilo dirigiéndolo a un soul sureño que la marcó de por vida. Grandes hits para los legendarios Fame Studios de Rick Hall, como “Stand by Your Man” y “In the Ghetto”, su voz tan personal con un timbre especialmente destinado a profundizar en el interior del alma, la alzaron a ser considerada como primera dama del soul más genuino. Pero la evolución de la música hacia ritmos más disco a mediados de los 70 y su balanceo de nuevo al gospel en los 80, por la "muerte" del sonido disco, enturbiaron su carrera y la llevaron a un segundo plano.

Pero en este nuevo siglo, una nueva rama ha surgido en ese tronco de aspecto áspero y rugoso, aunque de raices profundas y vivas llamado soul. Esa rama no es otra cosa que esta mujer ya madura llamada Candi Staton, revitalizándola y haciendo circular savia rica en nutrientes. Su anterior disco del 2006 llamado His Hands ya significó una bocanada de aire soul, un sonido más propio de finales de los 60, pero sin perder la frescura y las personalidad en las interpretaciones. Y la continuacion a ese regalo sorpresa y tras el paréntesis de otro álbum gospel el año pasado, es la publicación en este 2009 de su trabajo, Who's Hurting Now? . Canciones unidireccionales que van del interior de alma al exterior, canalizadas a traves de las interpretaciones magistrales de esta gran mujer, que mantiene intactas su cualidades de transmitir sentimientos.

Sonidos de tiempos y ritmos relajados con una instrumentación clásica de soul de los 60, aderezados en algunas canciones con suaves toques country-soul, eso es lo que vamos a encontrar en este nuevo disco de esta gran dama. Sería injusto destacar una canción sobre otra, todas mantienen un interés notable -y eso a pesar de la carencia de canciones que sobresalgan unas de otras-, de eso se ha encargado -al igual que su anterior disco- el nominado a los Grammy Mark Nevers en la producción, consiguiendo una atmósfera tenue, delicada, simple y sincera en la instrumentación de "Get Your Hands Dirty" y "Mercy Now", o ese sonido soul cercano al country en canciones como "I Don't Know", "Lonely Don't" o "Cry Baby Cry". Retrosoul del siglo XXI que transfiere a la música alma y unas canciones interpretadas con el corazón por esta sobreviviente del soul dispuesta a seguir luchando por mantener viva esa llama de la que en más de una ocasión os hemos hablado, esa llama que ilumina el sendero desde la lejanía de los tiempos del profundo soul, hasta nuestros dias.

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El artista clásico del que vamos a comentaros en esta ocasión, es uno de esos artistas de los que me quedé prendado desde el primer momento que escuché sus primeras notas. Su espectacular voz desgarradora, llena de un soul-gospel, lamento y feeling, su espiritualidad y profundidad en las interpretaciones, su estilo clásico y elegante...era el mejor mezclando el gospel, el r&b y el jazz, todo ello hace de Donny Hathaway un referente en el soul.

Nacido en Chicago en 1945 y criado por su abuela -cantante de gospel con la que comenzó a cantar en la iglesia a la edad de 3 años- tuvo una educación musical con la que aprendió a tocar el piano, llegando incluso a rivalizar ni más ni menos que con Herbie Hancock por ser el mejor pianista de su ciudad, aunque abandonó la Facultad de Bellas Artes por la gran cantidad de ofertas de trabajo que le surgieron por su enorme talento. En un primer momento como compositor y productor -llegando a realizar proyectos para grandes cantantes de la época como The Staple Singers, Jerry Butler, Carla Thomas, Curtis Mayfield o Aretha Franklin-, y en una segunda etapa tambien como gran vocalista tanto en solitario como en duetos.

Esta segunda etapa le llegó con la publicación de su primer disco en 1970, un trabajo para el sello Atlantic títulado "Everything Is Everything". Canciones como "The Guetto" -evocando a su niñez- no sólo mostraba sus cualidades de compositor y arreglista, sino que su extraordinaria voz y forma de cantar quedaban bien plasmadas. Aclamado por la crítica, nunca obtuvo un reconocimiento público acorde a sus cualidades, de hecho sus mayores éxitos comerciales fueron discos a dúo con su ex-compañera de clase en la Universidad, Roberta Flack, con la que consiguió un Grammy por la balada "Where Is the Love?". Sus felices comienzos no parecían presagiar una desdichada vida personal con depresiones nerviosas que lo llevaron varias veces al hospital, acabando su vida en la acera de un hotel de New York donde había estado viviendo. La puerta cerrada con llave por dentro, los cristales rotos de la ventana..., todo apuntaba -segun la policía- a un suicidio tras arrojarse desde el decimoquinto piso.

Pero pese a los escasos años en activos y sus pocos discos editados, su legado y contribución al mundo de la música son irrefutables. Una hija que ha seguido sus pasos en el mundo de la música, Lalah Hathaway, y sus discos espectaculares y necesarios para alcanzar un clímax sensorial, casi místico e incomprensible diría..., pero la música no hay que comprenderla, sólo escucharla y sentirla con el corazón, ya que pertenece a un lenguaje más allá de lo racional y humano. Y es que este hombre cantaba y sentía cada nota y estrofa de canción como nadie, "Someday We'll All Be Free", "I Love You More Than You'll Ever Know", "Giving Up", "A Song For You"..., son algunas de las increibles canciones que este hombre ha ido dejando en esos álbumes, algunos de ellos en vivo, donde como si de un pacto con el diablo se tratara, iba cambiando su vida por canciones y grandes interpretaciones. Todo alma y sensibilidad, ¿hay alguien capaz de resistirse a las tentaciones musicales de este hombre?.

Melinda Marie Doolittle saltó a la fama el año 2007 cuando finalizó en tercera posición en la sexta edición del famoso programa de tv American Idol. Hasta ese momento, su carrera profesional como cantante no acababa de despuntar y se limitaba a trabajar haciendo voces para artistas como Michael McDonald, Kirk Franklin, Aaron Neville o BeBe & CeCe Winans entre otros muchos.

Desde su primera audición de prueba en Memphis (a la que se presentó por diversión con unos amigos) y durante los cuatro meses de duración del programa impresionó al jurado y al público con memorables interpretaciones de temas clásicos. "Increíble" o "simplemente asombroso" eran algunos de los adjetivos con que regalaron los oídos de la concursante. Aunque era la mejor voz del show no ganó, pero dejó su huella indeleble. No había duda de que había materia prima (su magnífica voz bluesy) aún faltaba el reto más difícil: aprovechar sus magníficas cualidades para convertirla en una artista con un estilo definido y reconocible.

Al contrario que la mayoría de concursantes de estos programas no editó su disco de debut de manera apresurada tratando de aprovechar el tirón mediático. Una vez que grabó su aplaudida versión del clásico "My Funny Valentine" en febrero del año pasado, se dedicó a trabajar de manera intensa en su disco de debut bajo el sello discográfico Hi Fi Recordings. De la mano del productor Mike Mangini -nominado a los grammy y que ha colaborado entre otros con Joss Stone- se nos presenta a la artista con un sonido decididamente retro que combina distintos estilos próximos al sonido de los años setenta: desde los arreglos impecables de cuerda al estilo Philadelphia hasta el sonido del órgano tipo Charles Hodges (Al Green). En efecto en el track "Declaration Of Love" el oyente siente esa conducción de energía imparable que nos recuerda la electricidad ardiente de Tina Turner en sus primeros años. Mientras que en "Coming Back to You" o "Wonderful" se nos muestran los elegantes sonidos clásicos de R & B; "Dust My Broom" o "Walkin' Blues" que resuenan a funky y blues. Hay cabida también para las baladas con la cuidada producción y la exhuberante instrumentación del actual pop-soul como en los cortes "I'll Never Stop Loving You" o "Wonder Why", éste último con ciertos toques de jazz.

Grabado con un equipo de músicos en directo, a caballo entre Nashville y Nueva York, Melinda nos da cumplida muestra de su extraordinaria versatilidad y talento como vocalista. Desde la primera nota, la artista se retrata en cuanto a las influencias musicales de las más grandes (Gladys Knight, Aretha Franklin, Patti LaBelle) al mismo tiempo que reclama para sí los más altos honores de la escena musical actual. Lo que más me gusta de esta artista es la moderación con que utiliza su extraordinario instrumento vocal, dándole a la interpretación el tono e intensidad justa, renunciando a realizar continuas y absurdas exhibiciones vocales, tan habituales por cierto en otros artistas. El oyente intuye que la cantante es capaz de ir mucho más allá, pero que ésta tiene la generosidad de dar un paso atrás, renunciar al lucimiento personal para permitirnos degustar cada tono, cada nota... es decir nos permite escuchar la canción.

En definitiva, con su innegable talento vocal -en mi modesta opinión una de las mejores voces que he escuchado en los últimos años-, Melinda nos propone a través de esta colección atemporal de 13 canciones un viaje de ida y vuelta desde los clubes de blues de Louisiana, pasando por las iglesias de Mississippi hasta los piano-bar de la ciudad de Nueva York. Sin duda un magnífico disco de début repleto de buenos temas, correcta producción y magnífica voz que no me ha defraudado. El único pero es que aún no tengo muy claro hacia donde orientará su carrera profesional en el futuro, porque en principio la casa discográfica ha preferido no arriesgar y ha apostado a caballo ganador... mientras el futuro llega disfrutemos de esta maravilla. Muy recomendable.

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De nuevo nos encontramos frente a un artista que bebe de las fuentes de un soul sureño retro. Se trata de Marvin Sease, que aunque sus primeros trabajos discográficos se remontan a mediados de los años ochenta, sus inicios en la música se sitúan a finales de los sesenta, cuando apenas tenía veinte años.

Efectivamente, nacido en Carolina del Sur, la influencia de grandes mitos del momento como Al Green, Sam & Dave u Otis Redding fueron parte fundamental para que este hombre -que empezó cantando gospel con un grupo llamado "The five gospel singers"- encontrara su forma de dar rienda suelta a su energía interior a traves de un R&B cercano al Blues. Tras un peregrinaje por locales de baile y clubs underground, los circuitos rurales y festivales de blues consiguieron que la discográfica Polygram se fijara en él y expandiera su música, consiguiendo cierto éxito atrayendo público femenino a sus conciertos.

A pesar de no tener el éxito comercial de otros vocalistas coetáneos, Marvin Sease contribuyó a hacer resurgir el Blues en esta década de los ochenta gracias a un público afro-americano. Con su sonido soul blues o soul sureño, temas como "Candy Licker", "Ghetto Man" pasaron a formar parte de las listas en las emisoras de radio blues de la época.

La publicación de su último disco titulado Who's Got The Power, a traves del sello discográfico Malaco -tambien culpable de ese resurgir del Blues en los ochenta-, nos presenta de nuevo a un Marvin Sease experto en el juego de las dobles intenciones, simbolismo y por que no decirlo, cierto toque extrafalario por su imagen, habitualmente rodeado de mujeres en las portadas de sus discos. Pero lo importante es el contenido, y en el interior del disco nos encontramos buena música soul que se balancea entre el blues y el funk. Temas lentos y rápidos van formando una tela de araña que te van atrapando y formando un álbum completo y acogedor. Asi podemos encontrar temas llenos de vitalidad y ritmo -muy al estilo funk de James Brown- como "Blues Town", "My Dog Won't Wark" o "The Power of Coochie", sonidos sureños provenientes de un soul profundo como "Gone On" -homenaje a los grandes vocalistas de la música desaparecidos- o "I'm Coming Home" donde introduce una conversación telefónica con su ex, altas dosis de sensualidad en "I Do Baby" hasta baladas muy al estilo Otis Redding en "Denying Our Love" y "I Love You".

Es cierto que no nos ofrece nada nuevo y original, que todo forma parte de unos sonidos y un estilo provenientes de años atras, pero se agradece de alguna manera, que parte de la esencia de ese sonido que manifestaba las emociones y tristeza de unos hombres y mujeres desarraigados de su tierra para convertirse en esclavos, siga estando vivo hoy en dia y que el poder del blues-soul, canalizado a traves de este hombre, nos siga ofreciendo sentimientos y ritmos en forma de canciones.

Más información en http://www.myspace.com/candylicker0000

Con influencia de la vieja escuela del soul y el blues, Ruthie Foster es una de esas artistas que no te dejan indiferente. En el momento que empiezas a oir las primeras notas de una canción, te percatas que el blues corre por sus venas y que su voz es un flujo de fuerza que te lleva a épocas pasadas, cuando los campos de algodón era trabajados en exclusividad por personas de una misma raza.

Procedente de Texas y de una familia de cantantes de gospel, su vocación musical la llevó a matricularse en la universidad en ese campo. Pero antes de su dedicación a la música, tuvo un periodo de tres años en la marina de los Estados Unidos trabajando de mecánica de helicópteros en un primer momento. Llegando a compaginar esa labor con la de cantar con una banda de la marina para público de USA, Puerto Rico e Islandia, consiguiendo juntar sus mayores deseos, la música y viajar.

Su dedicación en exclusiva para la música llegó en el año 1997, su faceta de compositora, su particular estilo híbrido de soul-blues y su voz  -comparada a la de Areetha Franklin, Ella Fitzgerald e incluso a una versión femenina de Ray Charles- eran su pasaporte que la habría las puertas de par en par. ¡Y es que no hay cerradura ni llave que ponga fronteras a la música de esta mujer!. Ella es la sencillez y cercanía, carente de extrafalarias coregrafías y letras raperas entre estribillo y estribillo para enfrentarse al público, natural como una fruta silvestre, ella sólo canta.

Ahora, tras un bagaje de más de 10 años y 5 álbums a sus espaldas, nos presenta The Truth According To Ruthie Foster. El disco se grabó en Memphis, en los legendarios estudios Ardent -habitualmente usado por Isaac Hayes y sus músicos- con parte del equipo de esta leyenda, todavía con la sangre caliente por su entierro. Con la producción de Chris Goldsmith (Blind Boys of Alabama, Charlie Musselwhite) la guitarra de Robben Ford (The Yellowjackets, Bob Dylan, Joni Mitchell), los teclados de Jim Dickinson (Rolling Stones, Aretha Franklin), al órgano Charles Hodges (Al Green, Ann Peebles) y el batería Rock Deadrick (Tracy Chapman, Ben Harper) como parte de un extraordinario equipo de músicos. La experiencia de Ruthie Foster se ha enriquecido y ha aproximado su sonido a un soul más actual, aunque la mezcla de sonidos sigue siendo abrumadora. Hay sitio para la vitalidad y ritmo del rock-blues en canciones como "Hangin on (You Keep Me)" y "Truth!", la tradición y poesía provenientes de sonidos country en "Joy on The Other Side" y "When it Dont Come Easy", la sencillez y cercanía del folk en "When it Dont Come Easy", el ritmo reggae en "I Really Love You", o la espiritualidad y el ardor de la música blues-gospel de "Tears of Pain".

Si la música es un signo de vida y de identidad humana, con este disco Ruthie Foster nos hace más humanos y nos empapa con un arco-iris de música de diferentes estilos, pero con un denominador común, una voz poderosa y soul, junto a un blues que araña y nos marca el alma. 

Hay artistas que brillan con luz propia en el firmamento musical y otras con una luz interior tan poderosa que son capaces de convertir la noche en dia. Ese es el caso de esta afro-americana nacida en Denver llamada India Arie Simpson y que desde sus inicios en la música en uno de los baluartes del llamado neo-soul.

Compositora, productora, flautista y guitarrista, India.Arie, aprendió a tocar la guitarra, mientras estudiaba el arte de hacer joyas en Savannah College of Art and Design, y eso transformó su vida para siempre. "Fue el primer instrumento con el que pude tocar y cantar al mismo tiempo, y eso me resultaba maravilloso" comentó un dia en una entrevista. Otro punto de ruptura fue su necesidad de dar salida a su riqueza inspiritual interior -el hecho de sólo cantar no era suficiente para ella- a traves de su faceta compositora. Para ella la música es una necesidad básica del alma y tiene que emocionar a quien la escucha, sin grandes pretensiones, cargada de sentimientos y sobre todo honesta con uno mismo y para los demás. Eso ha hecho que esta mujer -con una voz tan especial y fácilmente reconocible- se aferrase al sonido más cercano y próximo al corazón del ser humano; tan necesario como la piel a la carne o el sol a la tierra, el sonido soul y blues es su medio de transmitir esa riqueza espiritual interior.

Su álbum debut fue "Acoustic Soul" en el año 2001, tres años después de que firmara para la Motown. Fue un álbum con el que consiguió siete nominaciones a los Grammys y mostró su refinado soul fresco, pero a la vez clásico, su particular voz y una instrumentación precisa consiguieron unas canciones bellamente elaboradas. La influencia de Al Green y sobre todo de Stevie Wonder eran más que palpables, hasta el punto de dedicar una canción a su admirado Stevie Wonder. Su segundo trabajo nos lo presentó en el 2002, llevaba por título "Voyage To India" y era una nueva apuesta por canciones basadas en sus vivencias personales y con un sonido más sólido y elaborado, consiguiendo 2 de los tres Grammys a los que optaba.

La publicación de su anterior disco -en el año 2006- es un punto de partida para un proyecto doble que finaliza en este año 2009. Dicho álbum se llamó "Testimony: Vol. 1, Life & Relationship", del cual consiguió posiciones altas en las listas de ventas, y pese que para los amantes del sonido de esta mujer no fué un disco tan redondo como los anteriores, este seguía mostrando a una artista genuina y auténtica. En esta segunda parte nos presenta "Testimony: Vol. 2, Love & Politics", ya bajo su propio sello, Soulbird Music -dentro de la Universal- y cuyo primer artista fue Anthony David. Ya conocíamos su single de presentación titulado "Chocolate High", acompañada por el fantástico Musiq Soulchild, al igual que un segundo, "Therapy" acompañada esta vez por el cantante jamaicano de reggae Gramps Morgan, melodías fáciles y capaces de llegar a un amplio público. Nos faltaba poder escuchar el resto de temas que había compuesto en una isla, tratando de buscar una tranquilidad dificil de encontrar hoy en dia. Quizás como con algo de miedo, se ha hecho acompañar, aparte de los anteriormente citados, por otros artistas como Terrell Carter en la optimista y sencilla "Yellow", Mc Lyte en "Psalms 23", Keb' Mo' a la guitarra en la más rockera "Better Way", del turco Sezen Aksu en los tintes étnicos de "The Cure" o Dobet Gnahore en "Pearls" -la versión del tema de una de las artistas que siempre os hemos mostrado nuestra admiración, Sade-, consiguiendo adueñarse del tema y hacernos olvidar un poco a su creadora.

El disco en general no ofrece canciones que creo puedan llegar a romper las listas de ventas de ningun pais, aun así es un avance moderado del "Testimony: Vol. 1, Life & Relationship", con un sonido más compacto y comercial, acompañada por la calidad vocal de una India Arie fuera de toda duda, con temas que -como es característico en ella- estan repletos de una gran conciencia social y harán que pasemos un rato agradable escuchando a esta perla negra del neo-soul.

Web del artista: http://www.indiaarie.com/